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C’est un étonnant parcours que nous révèle Nicole Tran Ba Vang. Ayant commencé par des études d’administration économique et sociale et n’ayant aucune envie d’exercer une pratique artistique, Nicole changea soudainement d’opinion, devant une affiche de métro. Cet élément déclencheur, qu’est l’insignifiante affiche publicitaire pour une école de mode, la sauva du triste  avenir de la gestion, pour l’emmener dans le monde de l’art. Cependant les nombreuses contraintes qu’impose le stylisme ne permirent pas à Nicole Tran Ba Vang d’exercer avec la liberté qu’elle désirait. C’est pourquoi elle quitta ce milieu, pour devenir artiste. Son talent fut vite reconnu par les galeristes  et elle jouit aujourd’hui de vivre entièrement grâce à sa pratique.

Contrairement aux nombreux intervenants, le parcours de Nicole ne fut donc pas le long chemin, parsemé de doutes, de relations indésirables et de crises financières. Ce fut une étonnante histoire, qui, me semble-il, redonna de l’espoir à certains d’entre nous qui veulent être artistes.

                Le travail de Nicole Tran Ba Vang repose sur la question de l’identité, liée à l’apparence. Ne cherchant pas à apporter des réponses elle définit son travail comme un questionnement. Il me semble que derrière cette démarche se cachent des interrogations, des peurs peut être, sur l’évolution de l’image de soi aujourd’hui. La chirurgie esthétique est en particulier une pratique qui se développe et concerne de plus en plus de personnes, désireuses de changer de peau. Même si le travail que Nicole à réalisé pour la série Nip Tuck n’est pas directement lié à sa pratique,  ses œuvres semblent pénétrer ce milieu, inconsciemment peut être (ce qui est très certainement la raison pour laquelle l’équipe de Nip Tuck fut attirée par son travail).

Fyrat
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Jan Fabre intervient au Louvre, dans les salles des peintures des écoles du Nord. Quel est le lien entre l'artiste contemporain de renomée internationale, et la peinture du Nord du 15ième au 18ième siècle ? Cet événement nous fait-il porter un regard nouveau sur cette peinture ?
L'artiste est né à Anvers en 1958. Il est véritablement découvert grâce à sa série Bic Art (d'immenses toiles recouvertes de bic bleu en trame). Il réalise des vidéo performances, dans lesquelles il se met en scène à travers des chorégraphies, des costumes de chevalier, des rituels guerriers. Ses installations intègrent toujours la présence ou l'absence de l'homme et/ou de l'animal.

L'ange de la métamorphose

« L'artiste incarne selon Jan Fabre L'ange de la métamorphose qui, par la transformation de la matière ou de la chair en oeuvre d'art, crée de la transcendance. »

Les matérieaux sont utilisés pour leur propriétés visuelles et symboliques. Jan Fabre crée des textures avec le scarabée, qui renvoit une lumière et surtout une couleur différente selon son inclinaison. Un globe fait de scarabées renvoie une image bien différente selon l'emplacement du spectateur. Avec les scarabés, il créera des textures, des colonnes vertébrales, une pièce de viande. Avec les punaises il construit une surface scuplturale et visuelle qui réfléchit la lumière, tout en nous laissant voir à travers une certaine épaisseur de surface. Avec ses armures il projette l'image de l'homme, mais aussi sa propre image.

On remarque d'ailleurs qu'il manipule beaucoup de matériaux organiques. Les os, les scarabés, les têtes de hiboux, les agneaux, les oiseaux ou les rats empaillés sont utilisés à répétition. Si les animaux sont particulièrement présents dans l'oeuvre de Jan Fabre, ne sont-ils pas des caricatures, ou du moins des échos d'une présence humaine ? Les messagers de la mort décapités est une oeuvre mettant en situation des têtes de hiboux dont les yeux sont des prothèses humaines en verre. Dans la salle de Van Dyck, ils deviennent le reflet des grands nobles, bourgeois, et du roi d'Angleterre, qui s'exposent dans leur plus beaux vêtements faits de fourrure, d'accessoires, de collants, de plumeaux. Le caractère distingué du hibou, mais non moins précieux, est bien ici le plagiat de l'humanité.


Enfance, jeu et onirisme.

La volonté de marquer la présence humaine, et de l'accompagner de symboles plus ou moins religieux (croix, globes, agneaux,..) nous montre bien la proximité entre Jan Fabre et les peintures nordiques. Mais il est cépendant vrai que l'artiste se sert aussi de 3 thèmes qui articulent son travail : le jeu, l'enfance et l'onirisme.

Le Petit Bagarreur représente l'artiste enfant, recouvert de punaises, dans une position de combat à main nue. Ses points renferment des bouts de sucre, utilisés pour affecter la plaie de l'adversaire. On comprend ici que le jeu est directement lié à l'enfance. Dans Lancelot, une de ses performances vidéos, il endosse l'armure d'un chevalier pour combattre un ennemi invisible. Il ne joue pas qu'au chevalier : Champs de stratégie est une maquette de carte en 3 dimensions, faite avec de la cire, dans laquelle les scarabées forment des troupes en rang, et se battent dans 2 camps adverses. L'artiste et le spectateur prennent la place de stratèges organisant une guerre sainte entre coléoptères.
Si dans ces 3 éxemple le jeu est un éxercice mental, il peut aussi être un symbole de communauté. L'art n'est pas solitaire est une maquette de bateau, entouré d'une piste d'athlétisme, dans lequel on trouve un ballon miniature, des munitions, etc.

L'onirisme est présenté dans une forme qui rappelle celle des oeuvres surréalistes. L'association d'objets a priori étrangers les uns aux autres, est récurrente dans son oeuvre. La réincarnation de Giovanni Arnolfini, en écho aux époux Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck, est une armure sur pieds en boits, mocassins, tête en scarabés formant un masque, colonne vertébrale et tissu. Cette figure semble totalement sortir d'un rêve.

Onirisme, qui semble appartenir au domaine du rêve (par son caractère d'irréalité, d'étrangeté, de poésie).

Ces 3 thèmes sont assez étrangers au peintures du nord, en général. Néanmoins, le caractère sobre, sollennel et mélancolique des regards dans les portraits depuis Jan Van Eyck laisse entrevoir cette perspective onirique. Il ne fait pas de doute que Jan Fabre a bien réussi à transformer tout le 2ième étage de l'aile Richelieu du Louvre en un espace étrange, inquiétant, et certainement pas sans lien avec les grands maîtres conservés.

Meradi Omar 216373

    Je pense que l’on peut qualifier le travail de Christophe Luxereau  comme étant une projection, à travers des images, dans un futur biomécanique, esthétique et fortement réaliste.

    Les images en question nous révèlent des objets futuristes imaginés par l’artiste, mis en scène dans un univers graphique qui s’apparente fortement à celui de la publicité. Ces objets sont caractérisés par leur réalisme visuel et surtout de faisabilité. J’entends par là que ces objets ont été conçus comme étant des produits qui ont de grandes chances de voir le jour dans un futur plus ou moins proche, cela dépendra des avancées technologiques.

    Le travail de C. Luxereau a suscité des réactions très diverses, certaines inquiétudes, au sujet de la série des membres féminins mécaniques, se faisaient ressentir  et même si beaucoup se sont tut à la vue de son travail, je pense qu’ils n’en pensaient pas moins. La série a rapidement introduit le thème de l’atteinte au corps, présentée en tant qu’une possibilité de l’avenir de la chirurgie réparatrice ou esthétique. La chirurgie esthétique étant de nos jours assez fortement critiquée, il est clair que l’idée d’un avenir biomécanique peut être mal vue.

 Les visuels, l’aspect virtuel de ses créations est la finalité de son travail, aucune de ses œuvres n’est reproduite « physiquement ». C’est donc une idée que l’artiste veut nous véhiculer, il nous propose un avenir dans lequel le corps et le métal fusionnent dans une esthétique qu’il définit lui-même. C’est en quelques sortes sa vision du futur. Au-delà de simples gadgets de science-fiction, l’artiste nous propose des objets dont la possibilité d’existence future est bien fondée. Fondée sur la vision de l’évolution technologique, de l’esthétique de l’artiste, fondée sur ses connaissances du corps humain et de la mécanique.

L’artiste souligne le caractère esthétique et « positif » des objets futuristes que ses visuels illustrent. Personnellement je partage les visions de C. Luxereau  de notre futur, soit un futur biotechnologique.  Il me semble qu’au-delà de ce que nous propose la science-fiction nous nous dirigeons vers ce avenir-là et que l’imaginaire de l’artiste (se voulant il me semble quasi-prophétique) se fonde sur une évolution technologique dans laquelle son travail s’est ancré. Une évolution qu’il semble très bien comprendre et surtout anticiper.

Cependant certaines images choquent. Par exemple celle ou la femme est réduite à un incubateur, un appareil à gestation qui se limite aux fonctions du vagin, de l’utérus et des seins. Cette production, que  j’ai trouvée particulièrement effrayante, donne une image très sombre et froide du miracle de la vie et bien entendu de la place de la femme, dans l’avenir.

Dans notre société actuelle les femmes luttent pour se débarrasser des rôles qui leurs sont imposés, obligations qui les enferment dans une existence de bonnes mères ou de fidèles épouses au service de leur mari.  Il me semble que l’avenir que nous propose l’artiste, ou le corps de la femme est réduit à sa fonction première : donner la naissance,  va à l’encontre de ces idées.

    J’ai trouvé fort intéressante la recherche de l’artiste sur les avatars employés par les internautes. Elle me parait en effet réaliste et anticipatrice, ce phénomène grandissant et très répandu jouera très certainement un rôle primordial dans la sociabilité des internautes. Si les portraits vaniteux permettaient aux plus fortunés de perpétuer le souvenir de leur personne, les avatars actuels donnent la possibilité d’étendre notre personnalité, d’imposer virtuellement au monde une image de nous même tel que nous aimerions être.  Dans un univers vaniteux ce ne sont pas seulement des internautes qui se croisent mais bien la représentation que chacun d’entre eux se fait de sa personne, et ou l’image de soi s’éloigne de plus en plus du réel.

               
                Notre entretien avec Gaëlle Chotard, en ce vendredi 29 février, fut très court et nous ne pûmes malheureusement qu’aborder l’artiste par des questions sur son parcours et ses relations avec sa galeriste, à défaut de nous intéresser d’avantage à son travail… bien qu’elle pu nous parler de certaines œuvres durant la dernière demi-heure, plus les prolongations.
               Je vais de ce fait délaisser la partie biographique et tenter de tirer des conclusions sur les mystérieuses formes organiques, rhizomiques voir lymphatiques (Dr House sait de quoi je parle) avec lesquelles travaille l’artiste.  

                Une chose très intéressante que nous fait remarquer Gaëlle au sujet de la série « au fond », qui regroupe les œuvres de maille métallique (dont l’ombre est projetée sur les murs de la galerie par une minuscule mais puissante diode), est que l’œuvre ne nécessite pas la présence de sa silhouette murale pour vivre. Les structures filaires se suffisent à elles mêmes.  Cette remarque m’a quelque peu étonné et je ne pense pas être le seul à avoir pensé que dans cette série l’un n’allait pas sans l’autre. L’originalité de ces travaux étant justement, selon mon avis qui vaut ce qu’il vaut, la mise à nu, l’extrême exposition de la forme et de l’intérieur de ces structures... Quasi-vivantes.

 L’artiste précisa également que lorsque ces œuvres sont vendues aux collectionneurs, ces derniers ont la possibilité de les allumer et de les éteindre à souhait.

Jeu de curiosité  érotique ? Formes libidinales, couleurs chaudes, voir dans, voir à travers, «dessous», «au fond»…  La recherche de soi dont nous parle l’artiste s’avère être d’une profondeur bien plus sensuelle que je ne l’avais pensé.

Fyrat
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